viernes, 27 de diciembre de 2013

Recomendación literaria: "Historias curiosas de la música: así como suena", Lawrence Lindt

Nuevos hallazgos, inventos, ocurrencias, sucesos y genialidades que impulsaron los grandes hitos de la innovación musical. Esta obra es una apasionante recopilación de anécdotas y chistes sobre los grandes compositores y sus obras, los intérpretes y los directores de orquesta. Después del éxito de Así como suena, el autor n os vuelve a ofrecer, de una forma amena y chispeante, la otra cara de la música. En sus páginas el lector descubrirá: historias descaradas sobre la intimidad de grandes compositores y sus disparatadas ocurrencias públicas; altercados y disputas entre los intérpretes durante los ensayos; la amistad, la admiración, la envidia y la rivalidad entre los grandes maestros; y toda clase de rarezas y peculiaridades sobre instrumentos y obras musicales.

jueves, 26 de diciembre de 2013

Personas con hiperlaxitud ligamentaria ¿son especialmente aptas para actividades como la danza o la música?

Muchas personas que buscan desarrollar una carrera en la danza tienen flexibilidad articular inherente, que puede ser una gran ventana en esta profesión. Sin embargo, la hiperlaxitud ligamentaria sintomática (SHL), combinada con las demandas físicas extremas de la danza, puede poner a los bailarines en riesgo de inestabilidad y lesiones. Es necesario conocer esta causa de síntomas músculo-esqueléticos generalizados, común y frecuentemente pasada por alto, para beneficio de los bailarines, y de los médicos y bailarines profesionales que los asisten e instruyen. 
Independientemente de la patofisiología subyacente involucrada en el SHL, la mecánica de la laxitud capsular, ligamentaria y tendinosa durante el entrenamiento y la actuación en la danza pueden resultar en la inestabilidad articular, en técnicas con malos movimientos o con compensaciones, y en una mayor vulnerabilidad a las lesiones. Las articulaciones afectadas por la hiperlaxitud parecen no tener la protección neuromuscular que tienen las articulaciones "normales". Mientras que en general los bailarines tienen menos sensibilidad a los estiramientos, quienes tienen SHL son aún menos sensibles a los signos de los "estiramientos dolorosos" o de los "sobre estiramientos".

miércoles, 25 de diciembre de 2013

Cómo hacer de la ansiedad al tocar una ventaja en vez de un problema

A menudo nos hacen creer que estar “nervioso” es malo. De hecho, la mayoría de consejos que he escuchado están dirigidos a reducir la ansiedad. En todos estos años hice de todo para deshacerme de las sensaciones desagradables asociadas con la ansiedad al tocar. Ensayé comiendo bananas, tomando té de manzanilla, imaginándome el público en ropa interior, privándome de sueño, practicando más, tomando varios suplementos e incluso tratando de convencerme a mismo que no importaba cómo tocaba. Nada de esto, por supuesto, hizo desaparecer la ansiedad o me ayudó a mejorar mi manera de tocar. 
De acuerdo con mi experiencia al trabajar con el psicólogo deportivo Dr. Don Greene cuando era estudiante de posgrado en Julliard y de mi propia experiencia como estudiante de doctorado en psicología de la interpretación musical, llegué a la conclusión de que la ansiedad misma no es el problema. El problema es que la mayoría de nosotros nunca aprendió a usar la adrenalina a nuestro favor. Al decirle a nuestros estudiantes o a nosotros mismo “solo relájate”, en realidad estamos haciendo un mal al confirmar implícitamente que la ansiedad que sentimos es mala y que le debemos temer. Aprendí a acoger la sensación de adrenalina y a usar esa energía para impulsar mis recitales y para tocar con más libertad, más convicción y más confianza de la que jamás pensé. 
La gran pregunta, por supuesto, es ¿cómo convertir la ansiedad de un problema a una ventaja? Antes de hablar sobre esto, necesitamos entender primero qué pasa cuando nuestra mente está bajo situaciones de estrés. 

martes, 17 de diciembre de 2013

Documental: Celebrando a Haydn


Exquisitas anécdotas y sucesos de la vida de este magnífico compositor austriaco Franz Joseph Haydn son narradas con elegancia y fino humor por Peter Ustinov.

Los conocimientos musicales perduran aunque se sufran problemas de memoria

Científicos alemanes han hecho pruebas en un violonchelista de 68 años amnésico y han deducido que la memoria musical se almacena en el hipocampo
Científicos de la Charité de Berlín pueden haber demostrado que la memoria musical en el cerebro se almacena y se organiza de forma independiente a otros tipos de memoria. El hallazgo podría hacer posible su uso en la rehabilitación de pacientes con trastornos de la memoria según publica la revista «Current Biology»
El estudio llamado «Preservación de la memoria musical en un violonchelista profesional con amnesia» y estuvo liderado por el profesor Christoph Ploner, director del departamento de Neurología del campus de Virchow.
Ploner junto con su equipo examinó y sometió a pruebas a un violonchelista profesional de 68 años que sufrió una encefalitis causada por un herpes, informa la nota de prensa publicada en la página de la universidad alemana. Como consecuencia de esta inflamación, el paciente empezó a presentar perturbaciones severas en la memoriaya que sufrió lesiones del lóbulo temporal derecho, en grandes porciones del lóbulo temporal izquierdo y parte de la corteza izquierda frontal e insular.
La enfermedad afectó su memoria para el pasado (amnesia retrógrada) como también su capacidad para adquirir nueva información (amnesia anterógrada). En el estudio identifican al músico como PM, y señalan que durante su carrera formó parte de grandes orquestas alemanas e interpretó un amplio repertorio musical que abarcaba rangos musicales, desde el estilo barroco al contemporáneo, hasta que en 2005 sufrió la encefalitis.

viernes, 13 de diciembre de 2013

El subconsciente en la música

Dentro de nosotros existe una poderosa computadora, el subconsciente, que controla todos nuestros procesos biológicos, el ritmo cardíaco, la respiración, el caminar, el conducir un auto, los actos reflejos o instintivos... Si su subconsciente deja de trabajar, inmediatamente su familia tendrá que buscar los servicios funerarios. 
Esa gran computadora interna es fabulosa para la música. Hay personas que sin tener ningún estudio de música toman un instrumento y con gran facilidad comienzan a tocarlo. En cambio otras personas con profundos estudios musicales, encuentran gran dificultad para interpretar la música. Tienen todos los conceptos, reglas, definiciones en la cabeza, en la mente consciente, pero su subconsciente no aflora al tocar su instrumento. Son musicólogos pero no son músicos. 
Hay muchos músicos “de oído” que llegan a tocar en un alto nivel como profesionales, sin haber estudiado música. Lo logran gracias al afloramiento espontáneo del subconsciente. Cuando una persona de estas toca el piano, va buscando los sonidos correctos y los acomoda de acuerdo al ritmo que siente y los acompaña con los acordes que va descubriendo. Ellos suponen que las canciones están en el teclado y su trabajo consiste en extraerlas de las teclas. Dicen estar “sacando” una canción en vez de aprendiéndola. Ellos tienen el privilegio de conectar su mente consciente con el subconsciente de un modo natural y espontáneo cuando entran en contacto con un instrumento musical. Agustín Lara, sin haber estudiado música pues tocaba de oído, y sin conocer España, compuso unas de las mejores canciones Españolas: Granada, Valencia, Toledo, Madrid, Silverio, Españolerías, Arruza, Clavel Sevillano….

jueves, 12 de diciembre de 2013

La música se juzga por lo que no se oye

Las personas pueden identificar con precisión a los ganadores de una competencia de música clásica basándose sólo en video sin sonido, según demostró un estudio.

Incluso músicos profesionales no pudieron reconocer a los ganadores sólo con el sonido.
Los hallazgos, publicados en la revista Proceedings de la Academia Nacional de Ciencias de Estados Unidos (PNAS), sugieren que la visión es en verdad el sentido más dominante.Esto desafía la idea de que el sonido es el factor más importante a tener en cuenta cuando se juzga la música.
La investigación concluye que el mejor indicador de una interpretación musical ganadora es la pasión que muestra el músico, seguido de cerca por su originalidad y creatividad.
Chia-Jung Tsay, del University College de Londres (UCL), es autora del estudio y concertista de piano.
La investigadora estaba interesada en la forma en que se juzga la música y vio que incluso los músicos profesionales no eran conscientes de cuánto más estaban usando la información visual que la sonora.
"Me di cuenta de que dependiendo de si se juzgaba en base a grabaciones de audio o de video podía haber resultados muy diferentes. Esto me llevó a preguntarme sobre cuánta información visual impacta realmente en estas importantes decisiones".

martes, 10 de diciembre de 2013

Chico Hamilton, batería de jazz y catalizador de talentos

Hace apenas 2 meses, el mundo del jazz despedía al cellista Fred Katz. Su nombre se asoció en las correspondientes necrológicas al de su introductor en el mundo del jazz: el baterista y compositor Foreststorn(sic) Chico Hamilton, que, se añadía, seguía “milagrosamente vivo y en activo a sus 92 años”. Hamilton (Los Ángeles, 1921) falleció el pasado 25 de noviembre en Nueva York.

A lo largo de 70 años, Chico Hamilton hizo de todo: tocó con los más grandes músicos de jazz de la historia —Count Basie, Ella Fitzgerald, Billie Holiday, Duke Ellington o Lionel Hampton— y lideró sus propios conjuntos; escribió música para cine y televisión; enseñó los secretos del jazz en la New School University… su discografía como líder supera los 60 álbumes. En buena medida, el legado de Chico Hamilton se define por quienes tocaron en sus conjuntos; el fenecido jazzman fue un consumado catalizador de talentos de la más diversa especie, un coleccionista de personajes difícilmente clasificables; el primero de ellos, el propio Fred Katz. Con él, y con Jim Hall, a la guitarra; Buddy Collette, a los vientos; y Carson Smith, al contrabajo, creó su primer grupo sin piano de éxito, que permaneció varios meses en el Stroller’s Club de Long Beach, no obstante la heterodoxia sutil de su propuesta musical o, precisamente, por ello mismo. Hamilton fue asociado al naciente Jazz West Coast de Gerry Mulligan y Chet Baker. Algo en lo que nunca estuvo de acuerdo: “El Jazz West Coast fue apenas una treta publicitaria. Ahora ya no me ofende que se me asocie al asunto. Lo que importa es lo que yo siento, y yo siento que toco con el mismo swing y la misma energía en Nueva York que en California”.

lunes, 9 de diciembre de 2013

Cortázar músico

Rafael Alberti se enorgullecía de haber nacido con el cine. Julio Cortázarnació solo tres años antes de que se grabara el primer disco de jazz, y se aficionó para siempre a esa música en una adolescencia que coincidió con su primera edad de oro, a finales de los años veinte, con las grabaciones legendarias de los Hot Five y los Hot Seven de Louis Armstrong y el éxito en el Cotton Club de Harlem y en las transmisiones de radio de la orquesta de Duke Ellington. Debía de ser extraordinario asomarse por primera vez al mundo y a la rebeldía personal al mismo tiempo que casi todo estaba inventándose: el cine sonoro, la radio, los discos de 78 revoluciones por minuto, el lenguaje plenamente sofisticado del jazz, en las dos direcciones que ya mantendría para siempre, la de los solos heroicos a la manera de Louis Armstrong y las complejidades orquestales de Ellington, el apego a la herencia afroamericana y el tirón de la música europea; todo mezclado, desde luego, porque Ellington tenía tan presentes los blues y los negro spirituals como el ejemplo de Debussy o Ravel, y porque Armstrong, en apariencia más próximo a lo africano originario, se había criado en una ciudad tan llena de aires musicales europeos y hasta hispánicos como Nueva Orleans, y reconocía que una inspiración para aquellos solos suyos tan largos que antes de él no intentó nadie habían sido las arias de la ópera italiana, con sus hazañas de resistencia pulmonar y sus agudos de funambulismo.
En Buenos Aires, en la radio familiar, el adolescente Julio Cortázar buscaba las raras emisiones de discos de jazz, para irritación y escándalo de sus padres, aficionados a la música clásica y al tango.

sábado, 7 de diciembre de 2013

Ice music: instrumentos musicales hechos de hielo

Terje es un artista e instrumentista noruego educado en jazz y percusión. Durante su inusual carrera se ha dedicado a crear instrumentos musicales a partir de materiales como piedra, madera y huesos; pero sus instrumentos más interesantes son los que ha creado usando hielo.
Bloques de hielo extraídos de ríos y lagos han dado lugar a guitarras, arpas, trompetas, xilófonos y muchísimos instrumentos más, todos esculpidos a mano con la ayuda de motosierras y navajas. Obviamente esto representa una enorme labor, según comenta Terje, a veces se tiene que experimentar con decenas de bloques de hielo antes de que el instrumento cuente con las características sonoras que él está buscando.
Sólo para hacer las cosas un poco más complicadas, el punto más obvio: los instrumentos creados con hielo únicamente se pueden utilizar una vez, ya que con el paso de las horas pues, se derriten. Esto también implica que al ser creaciones únicas y efímeras, Terje no puede practicar con ellos previamente, siempre que esculpe un nuevo instrumento es la primera y última vez que lo utiliza. Además, mientras el hielo se derrite, la resonancia y afinación del instrumento varían, digamos que el instrumento cambia su sonido minuto a minuto. Por estas razones la música de Terje es completamente orgánica y basada en la improvisación.

Recomendación literaria: Los clásicos también pecan: la vida íntima de los grandes músicos; de Fernando Argenta


El popular periodista y divulgador musical Fernando Argenta nos invita a entrar en la intimidad de
los grandes genios de la música. Desde el rigor y el humor, conoceremos cómo vivían, cuáles eran sus fuentes de inspiración, sus manías, sus escarceos sentimentales o las causas que los apasionaban. Un auténtico —y muy diverti do— redescubrimiento de figuras míticas como Mozart, Bach, Vivaldi, Debussy, Puccini, Wagner o Falla, entre otras muchas

viernes, 6 de diciembre de 2013

El joven que compone conciertos para piano y tableta

Conrad Tao es un neoyorquino de 19 años que trata de desafiar los límites de la música clásica combinando tradición y tecnología.

Sus experimentos incluyen composiciones para piano y la tableta iPad y representaciones teatrales con un piano de juguete de color rosa.
Aunque acaba de cumplir 19 años, Tao tiene una carrera que muchos músicos de avanzada edad sueñan con tener.
Comenzó a tocar canciones infantiles en el piano con sólo 18 meses de edad. Dio su primer recital a los cuatro años y tiene en su haber varios premios, incluyendo el Avery Fisher Career Grant, el Gilmore Young Artist Award y ocho premios Ascap Morton Gould Young Composer consecutivos.
Además es creador del festival Unplay, donde se unen el mundo clásico y el digital.
Para él, la música clásica necesita más que un esfuerzo de marketing para atraer a un público más joven. Debe "confrontar la realidad contemporánea", dice.
BBC


jueves, 5 de diciembre de 2013

´Los jóvenes deberían tener tantas clases de música como de mates´

chris kase - Trompetista y compositor de jazz
La vida del estadounidense Chris Kase (New Brunswick, 1964) siempre giró alrededor de la música. Nació en una familia apasionada por la música y desde los nueve años decidió que su vida sería a ritmo de jazz. Mañana hará un hueco en su agenda profesional para ofrecer un concierto dentro del ciclo Lentejazz, en la taberna O Rincón de Cangas a las 12.00 horas, en formato cuarteto y junto a Paco Charlín, Iago Fernández y Abe Rábade.

-¿Hay diferencias notables entre el panorama musical estadounidense y español?

- España no es tan diferente a Estados Unidos, pero sí más pequeño. Llegué aquí hace 16 años y estoy trabajando desde el segundo día. Cuando vine había profesionales dentro del mundo del jazz, pero en los últimos años hay más oportunidades para músicos jóvenes y se ve gente con un nivel impresionante.

- ¿Sería correcto decir que el jazz está en continuo crecimiento?

martes, 3 de diciembre de 2013

Muere a los 68 años Fernando Argenta, presentador de 'El Conciertazo'

El divulgador de música clásica, hijo del prestigioso director de orquesta Ataúlfo Argenta, ha fallecido a causa de un cáncer.
El divulgador musical Fernando Martín de Argenta Pallarés ha fallecido hoy a los 68 años. Nacido en Madrid en 1945, fue reador, director y presentador de Clásicos populares, en Radio Nacional y El conciertazo, en Televisión Española. Argenta, cuarto de cinco hermanos, fue el único hijo varón del director de orquesta Ataulfo Martín de Argenta, fallecido en enero de 1958, y de la pianista Juanita Pallarés.
Cursó la carrera de Derecho en la Universidad Complutense de Madrid, gracias a una beca que le concedió la orquesta Suisse Romande. Además, poseía estudios de grado superior de Música de piano y armonía, realizados en el Real Conservatorio de Madrid, pero los dejó a falta de los dos cursos de composición.
Fernando Argenta perteneció en los años sesenta al grupo de rock Miky y los Tonys, en que el tocó la guitarra, y, posteriormente, comenzó a dirigir orquestas, en un principio para escolares y a partir de noviembre 1981 para público adulto. En 1971 entró a formar parte de la plantilla de Radio Nacional de España, donde realizó múltiples programas, entre los que destacan: Circuito nocturno, Nocturno español, Madrugada y Para los jóvenes.
Pero fue con Clásicos populares, cuyas emisiones inició el 13 de abril de 1976, con el que consiguió gran relevancia por el lenguaje cercano y ameno que utilizaba para divulgar la música clásica. Argenta compartió micrófono con Beatriz Pecker, José Manuel Rodríguez Rodri y Araceli González Campa, desde abril de 1984 hasta su prejubilación en febrero de 2008.
En noviembre de 1986 fue nombrado director de Radio-3 de Radio Nacional de España, cargo que desempeñó durante dos años. Y en octubre de 1988 se hizo cargo de la dirección de Radio-1, de la misma emisora, donde solo se mantuvo unos meses y en el que le sustituyó Alicia Fernández, en febrero de 1989. Más tarde, regresó a la dirección y presentación de Clásicos populares, espació que tenía registrado.

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Landfill Harmonic: música entre basura

Landfill Harmonic es un documental que nos narra la historia de una peculiar orquesta paraguaya
integrada por niños y adolescentes: La Orquesta de los Reciclados.
Este grupo de niños vive en un barrio de escasos recursos, Cateura, Paraguay, construido sobre un vertedero que funciona como la principal fuente de ingresos para sus habitantes, quienes recolectan y reciclan la basura depositada ahí.
A partir de esta situación de pobreza y contaminación comenzó la idea de realizar el documental, ya que la orquesta usa instrumentos musicales creados enteramente de basura reciclada, bajo la tutela del Director de Orquesta Favio Chávez.

Puedes seguir a Landfill Harmonic a través de su página web  o a través de su página en facebook

domingo, 1 de diciembre de 2013

La dura convivencia con un músico en cada finca

Vicente Ivorra, Jaime de Castro y
 Meritxell Lanau
Más de 50.000 músicos de la Comunitat Valenciana utilizan sus viviendas como local de ensayo para practicar con su instrumento - La insonorización de las habitaciones, el diálogo con los vecinos y un horario de «sentido común» facilitan el entendimiento entre las partes.
Para ganarse el aplauso sincero del público, los músicos dedican incontables horas a la perfección de su técnica. Un esfuerzo invisible que requiere de la coincidencia de dos factores: la constancia del estudiante aplicado y la paciencia infinita de sus vecinos. En la Comunitat Valenciana, donde más de 50.000 músicos ensayan cada día entre las paredes de sus casas, los contenciosos con el vecindario son el pan de cada día, sobre todo en las grandes ciudades, donde los poderes de Santa Cecilia, patrona del gremio, parece que se diluyen.

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